Pemio Arco / Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas.

El Premio ARCO Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas fue creado en 2004 para reconocer la mejor obra de artes plásticas (incluyendo pintura, dibujo, cómic, grabado, esculturas, técnicas mixtas, fotografía, instalaciones así como cualquier otro soporte de expresión artística, sin limitación de tema ni técnica) realizada por artistas de edad no superior a 40 años, cuyo precio de venta no exceda 35.000 €, y que haya sido expuesta en la edición correspondiente de la Feria ARCO.

La Comunidad de Madrid adquiere la obra premiada y ésta pasa a formar parte de la Colección de Arte Contemporáneo del CA2M, cuyos fondos también se incrementan con la concesión de otros premios asociados a ferias de arte.

En esta edición de la feria ARCO Madrid, se ha galardonado ‘La fuga ebria’ (2021) del artista Pablo Capitán del Río (Granada, 1982), que estuvo expuesta en dicha feria, en el stand de la galería Artnueve, desde el 7 al 11 de julio de 2021.

El artista granadino habla a través de La Fuga Ebria, que estuvo expuesta en Artnueve en marzo, sobre la mirada y el deseo. La obra de Pablo Capitán del Río gira en torno al objeto y lo tridimensional. Esta muestra, en concreto, está compuesta por piezas de resina, vidrio y quemaduras de hierro, de materiales que pueden actuar como transparencia, hueco o reflejo. Las variaciones que presentan a lo largo de la sala parecen un fraseo, o más bien un balbuceo, en ese “lenguaje sordociego de la escultura” del que hablaba Oteiza, señalaron entonces desde la galería.

Otro aspecto de la instalación de Pablo Capitán Del Río es “el tratamiento de lo blando, la capacidad de esculpir lo maleable como representación de una funcionalidad deforme o espiritualizada, para evocar la idea de la fiesta que se acaba, del después de… con el espacio público desapareciendo y el placer del encuentro que se pierde”, según escribía el comisario de la misma, Alfredo Aracil. 

Más enlaces de interés:

https://murciaplaza.com/PedroCanoylasHabanerasdeTorreviejapremiadosporelFestivaldelCantedelasMinas

https://www.comunidad.madrid/notas-prensa/2021/07/08/comunidad-madrid-adquiere-obras-arte-valor-130000-euros-feria-arco

https://www.abc.es/espana/madrid/abci-comunidad-madrid-compra-arco-arte-130000-euros-202107090036_noticia.html

Últimos días para visitar “Ficciones”

El 27 de junio de 2021 será el último día en el que se pueda visitar la exposición colectiva con obras de 19 artistas con 8 galerías de la Región en el Palacio de San Esteban. ‘Ficciones’, comisariada por Juan Bautista Peiró, forma parte del programa ‘VisualizARTE’ del plan CREA.

La Galería Art Nueve participa con tres artistas: Javier Pividal, Sergio Porlán y Álvaro Albaladejo. Estos tres artistas representan la vía abstracta de la exposición.

Recordaos que podéis visitar la exposición de lunes a sábado, en horario de 10:00 a 14:00 horas y de 17:30 a 20:30 horas, hasta el próximo 27 de junio de 2021.

Catálogo “Otro Doble Hermético”
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Con motivo de la exposición “Otro Doble Hermético”, comisariada por Jesús Alcaide, la Galería Artnueve ha editado un catálogo online disponible en la web.

En el catálogo puedes encontrar el texto de la exposición de Jesús Alcaide junto a las obras de los artistas Álvaro Albadalejo, Pablo Capitán del Río, Manuel M. Romero, Javier Pividal y Sergio Porlán.

En otros formatos

Pablo Capitán del Río participa en la exposición colectiva En otros formatos. 8 artistas de Granada en acción, una propuesta de la Fundación Federico García Lorca. El proyecto propuesto por Amelie Aranguren, tuvo lugar el 27 de mayo de 2021 en el Centro Federico García Lorca.

Si F. sonriera o sonriese. Aún no se ha encontrado la voz de Federico pero conocemos muy bien su sonrisa. Si la risa es una sonrisa que suena, si la sonrisa en un muelle silencioso. Los muelles ríen al romperse, al liberarse,  o bajo el peso de los amantes.

Para más información: https://www.centrofedericogarcialorca.es/es/actividades/encuentros/329/en-otros-formatos-programacion

La línea del ingenio

La línea del ingenio es una exposición colectiva, comisariada por Lekha Hileman Waitoller, en la que participa el artista Prudencio Irazabal. La exposición estará disponible del 11 de junio de 2021 hasta el 6 de febrero de 2022 en el Guggenheim de Bilbao 2021.

La línea del ingenio presenta una selección de obras que se caracterizan por su naturaleza humorística, experimental, inteligente e inquisitiva. Estas piezas, que datan de la década de 1950 hasta el momento presente, están concebidas con materiales y técnicas inusuales, y trastocan las convenciones estéticas de forma lúdica, con ingenio y perspicacia. La muestra reúne a artistas de varias generaciones que trabajan con distintos medios e incluye piezas muy significativas de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao que apenas han sido expuestas, junto a otras muy conocidas. La combinación de lo elevado y lo popular, lo ordinario y lo sublime, lo serio y lo irónico recorre la exposición, desafiando las jerarquías en las que se fundamentan las bellas artes.

Organizada temáticamente, La línea del ingenio está estructurada en tres secciones que abordan la naturaleza experimental de la creación artística a través de un conjunto cohesionado de obras realizadas por significativos autores contemporáneos y también del período posterior a la Segunda Guerra Mundial.

La línea del ingenio presenta un cuerpo de obras pertenecientes a diferentes estilos y movimientos, cuyos temas se abordan recurriendo específicamente a lo perspicaz, lo experimental y diferentes prácticas artísticas. Dialogando entre sí, las obras ofrecen la posibilidad de apreciar las decisiones clave tomadas por sus autores a la hora de elegir sus materiales y técnicas, como reflejo de sus diversas metodologías artísticas y procesos individuales.

Tender Geometries en ARCO E-xhibitions

Ya está disponible en la plataforma on-line de ARCO E-xhibitions la exposición titulada Tender Geometries del artista Aitor Lajarín.

Lajarín pretende que el espectador se detenga en signos que pasan habitualmente desapercibidos, casi como aquello que Walter Benjamin denominó “inconsciente óptico”. Bajo esta perspectiva, su trabajo se enmarca en los límites de la representabilidad de lo imposible, de la emergencia ya no sólo de mostrar aquello que de algún modo parece oculto, sino de tratar de dar una versión íntima y personal del mundo, generando otro al mismo tiempo donde experimentar múltiples formas, en la línea de las propuestas del filósofo Nelson Goodman. Su pintura no es sólo un testimonio que registra las huellas –como parte material de los indicios–, sino una expresión simbólica donde revelar lo que, en principio, no puede ser desvelado. Para ello se sirve de unos elementos que se repiten de forma obsesiva (escaleras, ventanas, cuerdas, madera, vasijas, muros de ladrillos o universos), símbolos que ocultan algo misterioso, casi mágico, interpretables desde infinidad de ángulos. Concibe insólitos y enigmáticos espacios con un lenguaje propio, a los que dota una extraña familiaridad al reiterar esos sencillos principios

Link: https://arco-exhibitions.ifema.es/es_ES/e-xhibition/1e2985ee-9de2-4397-8106-4b459396f04e.html

Programa Corte: ¿Qué hicimos?

El programa Corte supone una interrupción en la programación habitual de Artnueve con la finalidad de acoger un proyecto específico de un artista invitado, enriqueciendo así la contextualización del proyecto de la galería y mostrando nuevas miradas sobre el hecho artístico. De esta manera, establece una estrategia estimulante para profundizar del trabajo de artistas o creativos, con discursos y disciplinas diferentes, pero que han encontrado en el arte ese lugar para reflexionar acerca de las problemáticas contemporáneas.

En esta ocasión “Qué hicimos” es la propuesta del arquitecto Juan Antonio Sánchez Morales, que ha planteando una intervención para la galería, en la que reflexiona sobre el cambio climático y el impacto y las transformaciones que esto tendrá tanto en el paisaje como en la sociedad.

Resonancias

Miguel Ángel Hernández.

En su estudio sobre el concepto de historia de Walter Benjamin, Michael Löwy encuentra una figura que resume de un plumazo el pensamiento del filósofo alemán: el “avisador de incendios”. Para Löwy, Benjamin, el primero en ver el fuego, se anticipó a su tiempo y supo nombrar la catástrofe. No sólo la catástrofe bélica y política que estaba a punto de asolar Europa, sino una catástrofe mayor, la de un modo de vida sustentado en el progreso como máquina generadora de escombros. Esta amenaza, según su visión, no estaba situada en un futuro por venir, sino que anidaba en todos los estratos del presente. “Que esto siga sucediendo –escribió– es la verdadera catástrofe”.

Lamenta Löwy que nadie escuchara a Benjamin, como si su voz –igual que la de algunos otros– hablase a un tiempo aún no preparado para entender la potencia y apremio de su aviso, o como si estuviese maldito, condenado, como la profetisa Casandra, a no ser creído en ningún momento.

Aunque nos separan casi ochenta años de su crítica al progreso, continuamos sin escuchar las advertencias, los avisos de incendio o desbordamiento, cerrando los ojos y los oídos, desviando la mirada, descreyendo las palabras, las imágenes e incluso los hechos. No importa las veces que se nos hable de la urgencia de transformar nuestro modo de vida, no importa las veces que lo veamos, que lo entendamos, no importa que incluso lo hayamos comenzado a comprobar. Por alguna extraña razón, esas certezas no acaban de movernos a la acción, no vibran en nosotros, no terminan de resonar. Y esta quizá sea la verdadera tragedia.

En su reciente crítica a la aceleración característica de la modernidad, el sociólogo Hartmut Rosa ha propuesto una alternativa a ese tiempo desbocado que se mueve hacia delante de modo inmisericorde. Para Rosa, frente a la aceleración, necesitamos la “resonancia”. Regresar a una conexión entre los sujetos, una vibración también en la tonalidad de aquello que nos rodea. Resonar, dice, es acompasarse, dejarse tocar, no imponer, es retomar el vínculo perdido con los sujetos, los objetos y el entorno.

El espacio artístico es precisamente un de los lugares donde esa resonancia tiene lugar, donde esa vibración transformadora actúa, el contexto donde lo dicho y lo visto “resuena”, donde lo silenciado e invisible tiene la capacidad de escucharse y mostrarse, donde el “aviso de incendio” tintinea y la alarma atraviesa el cuerpo.

El trabajo de Juan Antonio Sánchez Morales despliega esta lógica de la resonancia. Las imágenes, las palabras, los datos, pero también el modo en que se disponen en el espacio y nos rodean, visualizan la catástrofe por venir –al menos, una de ellas, el gran desbordamiento–, y generan en el espectador una sensación urgencia a través de un choque de tiempos: el futuro adverso que ya está aquí, y el presente ruinoso ya teñido de pasado. Tal vez esa sea una de las funciones más urgentes del arte en nuestros días: mostrar –ensayar, trazar, vislumbrar– el futuro del presente, hacerlo resonar, y sobre todo crear el espacio y las condiciones para que las palabras y las imágenes vibren, actúen, transformen.

Forma Contenida

Álvaro Albaladejo participa en el proyecto Forma contenida, en la galería malagueña Isabel Hurley.

Este proyecto reúne una selección de obras de seis artistas nacidos entre finales de los setenta y principios de los noventa que, desde una aproximación crítica a la escultura, abordan cuestiones relacionadas con la arquitectura. Sin embargo, en todos estos trabajos la arquitectura no se concibe como el arte de proyectar y construir edificios, sino como una práctica cultural.

“La práctica de Álvaro Albaladejo también tiene en su centro la capacidad de lo ornamental para «animarse» y actuar sobre el espectador. En su caso, sin embargo, el objetivo del ornamento es desestabilizar la percepción mediante un uso heterodoxo de la relación entre diferencia y repetición. El ornamento funciona como una tecnología alucinatoria que arroja el ojo contra sus límites, provocando no solo extrañeza, sino incluso experiencias cercanas al vértigo y la desorientación. Esta centralidad del aspecto físico de la visión postula no solo que no existe una posición neutral desde la que aproximarse a lo visual, sino que, más bien al contrario, la falta de perturbación que presupone la observación distanciada cotidiana está ya condicionada históricamente.”

Galería Isabel Hurley

En Forma contenida, Álvaro Albaladejo, presenta tres trabajos elaborados en los cuatro últimos años:

 Ozymandias (2018), un obelisco realizado en hierro pavonado dispuesto en horizontal que, debido al esmalte termocrómico que recubre su superficie cambia de color según la temperatura ambiente.

Gris tormenta (2020), una obra inspirada en los motivos de los bajobalcones que consiste en una estructura horizontal de la cual pende una cactácea invertida cuyas espinas han sido dispersadas sobre esta misma superficie y que amenazan con caer sobre el ojo del espectador.

Para esta exposición el artista ha producido una nueva obra que está formada por dos gárgolas –un término entendido aquí no como una figura grotesca sino como el remate de un caño que sobresale del muro– realizadas en escayola con permanganato de potasio, una fórmula química cuya alta inestabilidad hace que la superficie y color se modifiquen a lo largo de la exposición.

El proyecto se puede visitar hasta el 19 de junio de 2021 en la galería Isabel Hurley, Málaga.

http://www.isabelhurley.com/exposiciones.php?lang=esp&fecha=actuales

‘Granada, jardín abierto’

El artista Álvaro Albaladejo participa en la exposición Granada, jardín abierto. Esta amplia exposición, que no pretende ser canónica, reúne un centenar de obras que inundan al completo el Palacio del Almirante.

Cada una de las salas de este bello edificio albaicinero acoge un concepto relacionado con los jardines.

Así, a través de obras pictóricas, bibliográficas escultóricas, paisajes sonoros, instalaciones, etc, se transita no solo por el jardín como elemento físico, sino también, por los componentes espirituales que los rodean. Las secciones o conceptos de la muestra son:  Colores y chumberas, De cármenes y artistas, Primavera perdida, Sustancia pura, Paraíso abierto/cerrado, El jardín y sus seres, Joya roja y verde, Geometrías vivas, Exuberancia y Mi jardín. Soledad Sevilla, Belén Mazuecos, Álvaro Albaladejo o Joaquín Peña Toro son algunos de los artistas actuales que exhiben sus obras junto a otras de Val del Omar o de artistas granadinas de final del siglo XIX que fueron relegadas por olvidadas del siglo XIX como Francisca Rodríguez-Acosta, Encarnación Romero y Pillar Millet de Martos que, en algún momento, quedaron relegadas al olvido.

El projecto se puede visitar hasta el 18 de junio de 2021 en el Palacio del Almirante, en el barrio del Albaicín (Granada).

Os dejamos el comunicado oficial:

Arabidopsis Thaliana

El artista Santiago Reyes presenta Arabidopsis Thaliana en el MAMBO, junto a Ilona Jurkonyté, en la que indagan sobre el potencial de la expansión de las nociones de medio ambiente y del paisaje. Por medio de la instalación reinterpretan un momento específico de la historia planetaria: la germinación de un espécimen de la planta Arabidopsis thaliana y la producción de semillas en el espacio. Como parte de la exposición, una Arabidopsis thaliana estará cultivada junto a la entrada del MAMBO, en la carrera sexta, y su crecimiento se transmitirá en vivo en el espacio expositivo y en canales digitales.

Arabidopsis Thaliana es una exposición que entrelaza una variedad de narrativas y registros: la ciencia ficción y una retórica —experiencial y especulativa— que evoca los legados de la Guerra Fría. El objetivo es cuestionar los límites y excesos de las visiones del mundo científico, que algunas veces resultan ser premonitorias de catástrofes cósmicas o ecológicas.

Esta muestra es una de las dos propuestas ganadoras de Efectos Secundarios -la convocatoria lanzada en 2020- que invitó a artistas o realizadores audiovisuales de mediana o larga trayectoria a investigar los efectos ambientales y sostenibles de nuestro presente incierto a través de un nuevo trabajo que afronta la relación entre la naturaleza, el paisaje y el territorio.

El proyecto se puede vistar desde el 25 de marzo de 2021 hasta el 01de agosto de 2021.

Para leer el artículos completo:

La artista Ana Genovés expone en la galería Artnueve de la mano del artista Lawrence Corby.

La escultora madrileña Ana Genovés, expone por primera vez en la galería de arte contemporáneo Artnueve junto con el pintor británico Lawrence Corby, juntos, crean un diálogo de gran carga sensorial donde la geometría, el color y la cotidianidad son los protagonistas.

Es palpable la complicidad que los une, y que hace de este proyecto una visita indispensable.

Ana Genovés posa junto a dos de las obras de la muestra./ ISRAEL SÁNCHEZ

Mi trabajo habla sobre la utilidad y funcionalidad de los objetos, esta es mi intención. Pero cuando estoy en el proceso creativo surgen otras ideas más viscerales, más basadas en lo sensual, cuando estoy mirando un objeto pienso en qué es lo que saco del mismo.

-Ana Genovés

Os invitamos a leer los siguientes artículos:

https://www.laopiniondemurcia.es/cultura/2021/05/06/pintura-lawrence-corby-escultura-ana-51392524.html

https://murciaplaza.com/ArtequeviajadeLondresaMurcia

Pablo Capitán del Río muestra su obra en la exposición ‘Escultura expandida’. CAAC de Sevilla.
Cuatro puertas de irrigación, hierro, 320 x 320 x 120 cm. Pablo Capitán del Río, 2018.

La pieza de Pablo Capitán que en 2018 formara parte de la exposición ‘ El paisaje otro’ que tuvo lugar en nuestro espacio, forma parte de la muestra colectiva ‘Escultura expandida’, organizada por el CAAC de Sevilla.

‘Escultura expandida’, compuesta por piezas de la colección permanente del CAAC en la que se pondrán en diálogo obras de artistas, como Pepe Espaliú, Soledad Sevilla, Pablo Capitán, Cristina Iglesias e internacionales como Louise Bourgeois.

La exposición, que está comisariada por Juan Antonio Alvarez Reyes y Yolanda Torrubia, muestra también adquisiciones del pasado año, compras que fueron realizadas con un presupuesto extraordinario de cerca de 500.000 euros habilitado por la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico como ayudas al arte contemporáneo con motivo de la pandemia.

Un buen número de las esculturas que integran la muestra se exhibirán por primera vez en el museo y han sido adquiridas gracias a las medidas excepcionales que puso en marcha la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico a través del Plan de Impacto, tal como anunció la consejera, Patricia del Pozo, durante la presentación de la programación 2021 del museo.

La muestra trata de ofrecer un recorrido en el que el espectador, “casi sin darse cuenta, pasará de la abstracción a la figuración, de la geometría al cuerpo, produciéndose en el camino una serie de núcleos de intersección donde se establecen diálogos en torno a cuestiones como la idea de dispositivo, lo orgánico en relación a la forma y el material o la identidad y la cultura popular”.

Más información:

https://www.elperiodicomediterraneo.com/cultura/2021/04/08/escultura-expandida-ultimo-arte-tres-46182326.html

https://www.europapress.es/esandalucia/sevilla/noticia-caac-inaugura-escultura-expandida-obras-bourgeois-espaliu-soledad-sevilla-cristina-iglesias-20210408131351.html

https://www.laopiniondemurcia.es/cultura/2021/04/08/escultura-expandida-ultimo-arte-tres-46182330.html

Estampa 2021

Artnueve participa en la edición de Estampa de 2021, donde podréis visitarnos del 8 al 11 de abril en el Stand B12 Pabellón 6. 

Durante cuatro días (del 8 al 11 de abril), los amantes del arte contemporáneo pueden visitar Estampa, una de las ferias referentes del galerismo y el coleccionismo español cuyo objetivo es mostrar una visión del mercado del arte en nuestro país. El Pabellón 6 de Ifema acoge, con todos los protocolos de seguridad y medidas sanitarias vigentes, la edición especial de este certamen.

Como es habitual, el certamen está compuesto por dos secciones: el Programa general y el comisariado, que en esta ocasión lo ha llevado a cabo Alicia Ventura, actual comisaria y asesora del programa Arteria de DVK.

El proyecto expositivo que propone Artnueve para esta convocatoria especial Estampa 2021 se llama “El estado de las cosas” y cuenta con colaboración de los artistas Pablo Capitán del Río, Kirsten Hutsch, Álvaro Albaladejo, Sergio Porlán y Javier Pividal.

Para más información de la feria visita el enlace: “Estampa: claves para no perderse lo mejor del arte contemporáneo más actual.”

Entre las formas que van hacia la sierpe y las formas que buscan el cristal

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo reúne la obra de doce jóvenes artistas andaluces, entre ellos los artistas Álvaro Albaladejo, Capitán del Río y Manuel M. Romero.

La exposición plantea un diálogo con el espacio y el territorio que, al igual que la sierpe y el cristal, establece afinidades y diferencias. Algunas propuestas, todas producidas específicamente para la exposición, interpelan directamente a referentes cercanos y reconocibles, mientras otras se alejan proponiendo realidades incluso inexistentes.

La aparente simplicidad de los cuadros de Manuel M. Romero introducen en la exposición una reflexión sobre las posibilidades internas de la propia pintura, mientras que las obras de Pablo Capitán del Río y Álvaro Albaladejo dialogan directamente con el espacio en el que han sido dispuestas.

English Version

The Andalusian Center for Contemporary Art brings together the work of twelve young Andalusian artists, including Álvaro Albadalejo, Capitán del Río and Manuel M. Romero.

The exhibition proposes a dialogue within space and territory that, like the serpent and glass, establishes affinities and differences. Some proposals, all produced specifically for the exhibition, directly challenge close and recognizable references, while others move away, proposing even non-existent realities.

The apparent simplicity that Manuel M. Romero’s paintings bring into the exhibition, is a reflection on the internal possibilities of the painting itself, while the works of Pablo Capitán del Río and Álvaro Albaladejo directly dialogue with the space in which they have been displayed.

El artista Santiago Reyes expone en el Museo de Arte Moderno de Bogotá
Cartel de la exposición.

Exposición Arabidopsis ThalianaIlona Jurkonytė / Santiago Reyes VillavecesCiclo Expositivo MAMBO 2021-I / Paisaje, Naturaleza y TerritorioLa posibilidad de la vida más allá de la Tierra.

25 de marzo de 2021 -1 de agosto de 2021

Arabidopsis Thaliana es una exposición que entrelaza una variedad de narrativas y registros: la ciencia ficción y una retórica —experiencial y especulativa—que evoca los legados de la Guerra Fría. El objetivo es cuestionar los límites y excesos de las visiones del mundo científico, que algunas veces resultan ser premonitorias de catástrofes cósmicas o ecológicas.

Esta muestra es una de las dos propuestas ganadoras de Efectos Secundarios-la convocatoria lanzada en 2020-que invitó a artistas o realizadoresaudiovisuales de mediana o larga trayectoria a investigar los efectos ambientales y sostenibles de nuestro presente incierto a través de un nuevo trabajo que afronta la relación entre la naturaleza, el paisaje y el territorio.

A partir de una investigación de archivo, Arabidopsis Thalianaes una instalación audiovisual que ofrece una reinterpretación de ese momento específico en la historia cuando el ecosistema tuvo la posibilidad de expandirse más allá de la Tierra. La obra recrea un programa de radio colombiano, imaginado en 1982, que juega con los tropos de la colonización y exploración del espacio mientras insinúa sus implicaciones geopolíticas en el país. Además, la narración también especula sobre los efectos secundarios del desbordamiento de la vidaterrestre en el cosmos en un futuro próximo.

-Santiago Reyes Villaveces e Ilona Jurkonyté indagan sobre el potencial de la expansión de las nociones de medio ambiente y del paisaje. Por medio de la instalación reinterpretan un momento específico de la historia planetaria: la germinación de un espécimen de la planta Arabidopsis thaliana y la producción de semillas en el espacio.

-Como parte de la exposición, una Arabidopsis thaliana estará cultivada junto a la entrada del MAMBO, en la carrera sexta, y su crecimiento se transmitirá en vivo en el espacio expositivo y en canales digitales.

-La muestra abrirá al público presencialmente el jueves 25 de marzo a las 5 p.m. en el Museo de Arte Moderno de Bogotá-MAMBO. Espacio para la prensa con los artistas y con el Curador de la exposición, Eugenio Viola, Curador Jefe del MAMBO desde las 10 a.m. hasta las 5 p.m. Los periodistas y los medios de comunicación deben asistir al museo con cita.

La Fuga Ebria
La Fuga Ebria

El jueves 25 de marzo la Galería Artnueve inaugura la exposición ”La Fuga Ebria” del artista Pablo Capitán Del Río.

Las variaciones a lo largo de la sala parecen un fraseo, o más bien un balbuceo, en ese “lenguaje sordociego de la escultura” del que hablaba Oteiza. Eros se mueve. Eros es un verbo.

Pablo Capitán presenta una serie de obras que hablan de la mirada y el deseo. Son piezas de resina, vidrio y quemaduras de hierro, de materiales que pueden actuar como transparencia, hueco o reflejo. 

Pablo Capitán del Río es Licenciado en Bellas artes en la Especialidad de Escultura por la Universidad de Gra- nada en 2006 y Máster Universitario en Producción Artística en la especialidad de Practica Artística por la Uni- versidad Politécnica de Valencia en 2008.

En la obra de Pablo Capitán del Río, la precariedad aparece no sólo en el uso de los materiales –por lo general cercanos al universo de lo povera–, si no también en el sentido de la obra como una composición siempre a punto del desmoronamiento. Sus trabajos, tanto sus intervenciones que giran en torno a la recuperación de los procesos naturales, como sus instalaciones y esculturas más objetuales presentan siempre un desequilibrio que genera en el espectador una conciencia de que todo puede cambiar de un momento a otro. Obras que se mueven, que inician procesos, que inquietan la mirada del espectador, pero sobre todo que transforman su relación con el espacio y el entorno. La toma de decisiones constantes respecto al modo de afrontar la obra, de mirarla, de alejarse de ella para no ser rozado por ella o para no destruirla, implica también una especie de “cuidado” en la percepción, una mirada que intuye que aquello que tiene delante no siempre ha sido así, y, desde luego, que no permanecerá en ese estado en lo sucesivo, de tal modo que se transmite una especie de urgencia al ver y al sentir.

La artista Alejandra Freymann expone en el Patio Herreriano

La artista Alejandra Freymann expone en El Museo Patio Herreriano.

Esta exposición, con título Pintura: Renovación Permanente y comisariada por Mariano Navarro, será escenario de una gran muestra dedicada a la pintura realizada en España en las últimas décadas, un formato de exposición de gran escala que tiene como objetivo pulsar el estado de la cuestión de un medio en constante transformación, como indica su título. Formada por casi medio centenar de artistas, la mayoría de ellos de generaciones jóvenes y algún consagrado que se intuye como referencial en los discursos concretos que aquí teje el comisario, la muestra se estructura en torno a una serie de ejes conceptuales narrativos, así la pintura fluida, la pintura desmaterializada y sus derivas conceptuales, la pintura expandida, la tensión entre la figuración representativa y esa otra que elude la evocación…

La muestra incluye un buen número de obras de la Colección Arte Contemporáneo, que acoge uno de los conjuntos de pintura más relevantes de cuantos pueden verse en el sistema institucional español, y ocupará seis grandes salas y no pocos espacios comunes del museo. Pintura: renovación permanente pretende arrojar buena luz sobre los problemas estéticos asociados a la práctica contemporánea en este momento de crisis perpetua en el que viven la imagen y sus modos de representarla.

Link externo:

https://museoph.org/exposicion/pintura-renovacion-permanente

La Diputación Provincial de Granada adquiere ‘Certeza’ de Álvaro Albaladejo

La Diputación Provincial de Granada adquiere la obra ‘Certeza’ del artista Álvaro Albadalejo tras ser una de las veinticinco obras seleccionadas en los Premios a la Creación Artística convocadas por la misma.

Estos premios forman parte de las medidas dirigidas al sector cultural dentro del Plan Granada para la Recuperación Económica y Social que puso en marcha la Diputación para paliar los efectos de la pandemia. Por eso nacen con vocación de permanencia y se han distribuido finalmente en las modalidades de pintura (13 galardones), escultura e instalación (4), dibujo y cómic (3) y fotografía (5). Cada premiado ha recibido un diploma y la cantidad de 2.000 euros, con lo que la Diputación ha invertido en esta primera convocatoria un total de 50.000 euros.

El artista Álvaro Albaladejo nos dedica las siguientes palabras sobre su pieza:

“Certeza es una pieza que corresponde al grupo que configuraba el proyecto El fin del universo (2018). Exposición realizada dentro del Festival de Arte Contemporáneo FACBA´18. El espíritu de dicho festival motiva la hibridación entre proyectos de arte contemporáneo y diferentes departamentos de la Universidad de Granada así como piezas que configuran su Colección de Patrimonio.

La pieza es una losa de mármol calatravo fresado mediante control numérico computerizado. La imagen original de la que proviene se trata de una hemiferostomía o corte tomográfico del cerebro de un gato. Esta muestra la realizó José Soler, científico y licenciado en medicina de la UGR, para su tesis doctoral. Dicha tesis trataba de reconstruir el cuerpo de un gato a través de sus órganos, mediante cortes tomográficos, fotografías de microscopio y muestras de tejidos y fluídos de distintos fragmentos.

El fin del universo trataba de una reconstrucción del mito del Benben, piedra originaria del culto piramidal y pilar del mito fundacional de Atum; dios que se supone se autoengendró a sí mismo. Esta exposición se autogeneraba con piezas extraídas de dichas colecciones. Las muestras de José Soler conectaban con el intento de fosilizar una idea a través dedicha exposición, formalizada en esta obra.”

Os dejamos el enlace del artículo dedicado a los Premios de Creación Artística de la Diputación de Granada en el diario GranadaHoy para saber más acerca de esta convocatoria:

https://www.granadahoy.com/ocio/mosaico-creacion-granadina_0_1547546918.html

Naves de Mnemósine

La Galería Artnueve celebra el día 11 de febrero la inauguración de la exposición “Naves de Mnemósine” de la artista Ana Martínez,

“Explorar el pasado para entender el presente y soñar un futuro.”

Ana Martínez presenta una serie de obras que transforman las cosas heredadas y demuestran que la memoria no pertenece únicamente al pasado sino que, a través de la mediación del arte, se encamina siempre hacia el futuro.

Ana Martínez es Licenciada en Bellas Artes por la Facultad Alonso Cano de Granada y Máster en Arteterapia por la Universidad de Murcia. Su trabajo aborda como idea principal la relación del cuerpo con el espacio, con el entorno que habita a lo largo del tiempo, y en la memoria a través de la reformulación de objetos.

Texto de la exposición
“El último proyecto de Ana Martínez tiene su origen en la necesidad de reconciliarse con una colección de cosas heredadas, de preservar su memoria y, al mismo tiempo, de proyectarla en el futuro. Las obras que forman parte de esta exposición transforman esta colección de objetos heredados en motivos de ciencia ficción. 

En estas obras los objetos se transforman en naves espaciales o se abren al infinito del espacio exterior. De este modo, las historias que almacenan y que ahora habitan en un nuevo mundo, en el presente renovado de la artista, viajan a través del tiempo a un futuro todavía por venir.”
Textos de Javier Sánchez 

Datos de la exposiciónNaves de Mnemósine -Ana Martínez

Inauguración: 11 de febrero de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 20:00 hs.

Fecha: Del 11 de febrero a marzo

Horario: de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 20:00 hs.

Dirección: Galería Artnueve, en la Calle Dr. Tapia Sanz, 1.

Monumento al Desencanto

“Hay bajo las luces y los colores del cubo una piedra enorme de una belleza terrible como la historia que evoca: la ‘Pata de elefante’, la masa radioactiva emanada del reactor número 4 de la central nuclear de Chernobyl que traspasó cuatro metros de hormigón armado hasta desembocar en el subsuelo como ahora parece caída sobre el lecho de piedras blancas esta escultura de Pablo Capitán del Río. Una pieza que habla del reverso tenebroso del hombre, un objeto maléfico que apenas puede contemplarse a distancia.”

— Antonio Javier López

Aún se puede visitar la obra Monumento al Desencanto del artista Pablo Capitán del Río en el Centro Pompidou de Málaga.

El monumento se encarga de exaltar en el espacio público a personajes o acontecimientos, proponiéndolos como ejemplo o referencia colectiva. La materialización del monumento depende, por tanto, de la existencia de líderes y grandes proyectos político-sociales más o menos emocionantes, más o menos deseables, pero, al fin y al cabo, capaces de atrapar a la masa.

La pieza de Pablo Capitán es una reproducción del objeto conocido como “Pata de elefante” de Chernobyl, una masa radioactiva que, tras la explosión del reactor 4 de la planta nuclear, fue derritiendo 4 metros de hormigón armado hasta aparecer en una de las galerías subterráneas de refrigeración.

English Version

Our artist Pablo Capitán del Río takes part in a collective project that links the Pompidou Center in Malaga and the Russian Museum for the first time with works inspired by the Chernobyl nuclear disaster and the Guindos‘ chimney.

The monument is responsible for exalting characters or events in the public space, proposing them as an example or collective reference. The realization of the monument depends, therefore, on the existence of leaders and great political-social projects more or less exciting, more or less desirable, but, after all, capable of catching the masses.

Pablo Capitán’s artwork is a reproduction of the object known as Chernobyl’s “Elephant’s Foot”, a radioactive mass that, after the explosion of reactor 4 of the nuclear plant, melted 4 meters of reinforced concrete until it appeared in one of the underground cooling galleries.