Dinámica de la descomposición
Vista de la instalación en la sala

El artista Álvaro Albaladejo nos vuelve a dejar atónitas con este site specific que ha desarrollado ex profeso para la exposición Entre las formas que tienden a la sierpe y las formas que buscan el cristal (2020) en CAAC Sevilla.

El título de la misma proviene del segundo verso del poema lorquiano Vuelta de paseo perteneciente al poemario Poeta en Nueva York. La idea de la instalación era trasladar de forma literal y metafórica el contenido de dicho poema y el título que sirve de hilo discursivo a la exposición. Para ello se ha realizado una moldura que ocupa el techo de la sala, cuya composición parte del motivo ornamental de rejería y forja; inspirado a su vez en los bucles que entrelazan manos de la serie de dibujos de Lorca. Esta moldura está realizada en escayola especial para fabricación de molduras con permanganato de potasio (KMnO4) disuelto en el agua de la mezcla. El permanganato de la disolución le ofrece un tono violeta intenso que varía progresivamente en el tiempo en función de la pérdida de humedad de la moldura. Comienza desde un rojo vino profundo, pasando por un tono morado intenso próximo al negro, para finalmente revelar un violeta litúrgico que se acaba metalizando con tonos azulados. El permanganato de potasio poseía antiguamente múltiples usos y remedios, uno de ellos era el de protección contra la mordedura de serpiente.

Os animamos a visistarla si tenéis la oportunidad.

English Version

The artist Álvaro Albaladejo once again leaves us astonished with this site-specific artwork that he has developed expressly for the exhibition Between the shapes that tend to the serpent and the forms that seek for the crystal (2020) at CAAC Seville.

Its title comes from the second verse of Lorca’s poem Vuelta de paseo belonging to the poetry book A poet in New York. The idea of ​​the installation was to translate literally and metaphorically the content of the said poem and the title that serves as the discursive thread of the exhibition. For this, a moulding has been made that occupies the ceiling of the room, whose composition is based on the ornamental motif of ironwork; inspired in turn by the loops that intertwine hands in Lorca’s series of drawings. This moulding is made of special plaster for the manufacture of mouldings with potassium permanganate (KMnO4) dissolved in the water of the mixture. The permanganate in the solution gives it a deep violet hue that varies progressively over time depending on the loss of moisture from the trim. It starts from a deep wine red, passing through an intense purple tone close to black, to finally reveal a liturgical violet that ends up metallic with bluish tones. Potassium permanganate formerly had multiple uses and remedies, one of them was to protect against snake bite.

We encourage you to visit it if you have the chance.

Entre las formas que van hacia la sierpe y las formas que buscan el cristal

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo reúne la obra de doce jóvenes artistas andaluces, entre ellos los artistas Álvaro Albadalejo, Capitán del Río y Manuel M. Romero.

La exposición plantea un diálogo con el espacio y el territorio que, al igual que la sierpe y el cristal, establece afinidades y diferencias. Algunas propuestas, todas producidas específicamente para la exposición, interpelan directamente a referentes cercanos y reconocibles, mientras otras se alejan proponiendo realidades incluso inexistentes.

La aparente simplicidad de los cuadros de Manuel M. Romero introducen en la exposición una reflexión sobre las posibilidades internas de la propia pintura, mientras que las obras de Pablo Capitán del Río y Álvaro Albaladejo dialogan directamente con el espacio en el que han sido dispuestas.

English Version

The Andalusian Center for Contemporary Art brings together the work of twelve young Andalusian artists, including Álvaro Albadalejo, Capitán del Río and Manuel M. Romero.

The exhibition proposes a dialogue within space and territory that, like the serpent and glass, establishes affinities and differences. Some proposals, all produced specifically for the exhibition, directly challenge close and recognizable references, while others move away, proposing even non-existent realities.

The apparent simplicity that Manuel M. Romero’s paintings bring into the exhibition, is a reflection on the internal possibilities of the painting itself, while the works of Pablo Capitán del Río and Álvaro Albaladejo directly dialogue with the space in which they have been displayed.

Medianoche después del desierto

Nuestro artista Álvaro Albaladejo traslada su proyecto ‘Medianoche después del desierto’ al museo del Huelva como parte del ciclo de exposiciones itinerantes por la comunidad andaluza del Programa Iniciarte.

Medianoche después del desierto se ubica en la convergencia de dos intensidades, como dos imágenes en colisión: la figura del cactus y el ornamento, vinculados entre sí por su potencial alucinatorio. El cactus hace referencia a los estados alterados de conciencia, una alusión directa a la mescalina alucinógena que puede encontrarse en varias especies de esta familia.

Disponible hasta el 24 de enero de 2021.

English Version

Our artist Álvaro Albaladejo moves his project Midnight after the desert to Huelva’s museum as part of the cycle of itinerant exhibitions by the Andalusian community of the Iniciarte Program.

Midnight after the desert is located at the convergence of two intensities, like two colliding images: the figure of the cactus and the ornament, linked together by their hallucinatory potential. The cactus refers to altered states of consciousness, a direct allusion to hallucinogenic mescaline that can be found in several species of this family.

Available until January 24, 2021.

Monumento al Desencanto

Nuestro artista Pablo Capitán del Río toma parte en un proyecto colectivo que enlaza por primera vez al Centro Pompidou de Málaga y al Museo Ruso con obras inspiradas en en el desastre nuclear de Chernobyl y la chimenea de los Guindos.

El monumento se encarga de exaltar en el espacio público a personajes o acontecimientos, proponiéndolos como ejemplo o referencia colectiva. La materialización del monumento depende, por tanto, de la existencia de líderes y grandes proyectos político-sociales más o menos emocionantes, más o menos deseables, pero, al fin y al cabo, capaces de atrapar a la masa.

La pieza de Pablo Capitán es una reproducción del objeto conocido como “Pata de elefante” de Chernobyl, una masa radioactiva que, tras la explosión del reactor 4 de la planta nuclear, fue derritiendo 4 metros de hormigón armado hasta aparecer en una de las galerías subterráneas de refrigeración.

English Version

Our artist Pablo Capitán del Río takes part in a collective project that links the Pompidou Center in Malaga and the Russian Museum for the first time with works inspired by the Chernobyl nuclear disaster and the Guindoschimney.

The monument is responsible for exalting characters or events in the public space, proposing them as an example or collective reference. The realization of the monument depends, therefore, on the existence of leaders and great political-social projects more or less exciting, more or less desirable, but, after all, capable of catching the masses.

Pablo Capitán’s artwork is a reproduction of the object known as Chernobyl’s “Elephant’s Foot”, a radioactive mass that, after the explosion of reactor 4 of the nuclear plant, melted 4 meters of reinforced concrete until it appeared in one of the underground cooling galleries.

Interrupciones, tiempo suspendido
Javier Pividal

Durante estas fiestas, consideramos que la exposición ‘ Interrupciones: tiempo suspendido’, cuyo enclave reside en el palacio Almudí, es una parada imprescindible para disfrutar del arte contemporáneo en Murcia.

En ella participan nuestros artistas Sergio Porlán, Javier Pividal y Ana Martínez, y está comisariada por el grupo grupo curatorial 1erEscalón.
En esta exposición se despliega una reflexión realizada por los/as artistas y comisarios/as sobre el paréntesis en el tiempo que vivimos actualmente a causa de la pandemia, usando como herramienta el arte a través de diferentes planteamientos personales en los que se palpa la visión del tiempo suspendido de cada uno de ellos/as, sus discursos y su forma de enfrentarse a realidad contemporánea.

El tiempo se mueve siempre hacia delante, de modo inexorable. Los minutos pasan y el calendario avanza. Pero hay momentos en que sentimos que los días se espesan, que las horas se alargan, que el pasado no acaba de marcharse o que el futuro tarda demasiado en llegar. A esa experiencia afectiva del tiempo la denominamos “temporalidad”. Una temporalidad que en estos días se está transformando. La pandemia ha suspendido el futuro y nos hemos quedado varados en la historia, en un presente extraño e incómodo que no sabemos cuándo acabará. Sentimos hoy que el tiempo se ha frenado. Y la interrupción nos ha paralizado y ha vaciado de sentido el presente.

– Texto del colectivo 1erEscalón.

Podrá visitarse hasta el próximo mes de Enero.

English Version

During these holidays, we consider that the exhibition ‘Interruptions. Time suspended’, whose enclave resides in the Almudí Palace, is an essential stop to enjoy contemporary art in Murcia.

Our artists Sergio Porlán, Javier Pividal and Ana Martínez take part in it, and it is curated by the curatorial group 1erEscalón.

This exhibition displays a reflection carried out by the artists and curators on the parenthesis in the time we are currently living due to the pandemic, using art as a tool through different personal approaches in which the vision is palpable of the suspended time of each one of them, their speeches and their way of facing contemporary reality.

Time is always moving forward, inexorably. The minutes pass and the calendar advances. But there are times when we feel that the days are thickening, that the hours are lengthening, that the past does not quite leave or that the future takes too long to arrive. We call this affective experience of time “temporality.” A temporality that these days is transforming. The pandemic has suspended the future and we have been stranded in history, in a strange and uncomfortable present that we don’t know when it will end.

-Text by the curatorial group 1erEscalón.

It can be visited until next January.

Otro Doble Hermético

Tenemos el placer de informaros de que este jueves 26, de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 h, inauguramos Otro doble hermético. Un proyecto trabajado de manera colectiva entre el comisarioJesús Alcaide y cinco artistas de nuestra galería: Álvaro Albadalejo, Pablo Capitán del Río, Manuel M. Romero, Javier Pividal y Sergio Porlán.

En 1992 Manel Clot, comisario de exposiciones y crítico de arte, fundamental para conocer las transformaciones de las prácticas artísticas que tuvieron lugar en el contexto español en la década de los años ochenta y los primeros años del siglo XXI. Inauguraba en el CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno en las Palmas – Islas Canarias) la exposición Historia natural. El doble hermético, una lúcida exposición sobre los nuevos dispositivos de la subjetividad y las maneras en las que el arte se contaminaba de la experiencia en un complejo entramado de pliegues y veladuras.

En 2017, desde la Galería Artnueve y también con Jesús Alcaide como comisario realizamos otra exposición que llevaba por título In ictu oculi y que planteaba una relectura-homenaje a otra exposición que en 1992 se convirtió en hito dentro de la poco estudiada historia de las exposiciones en el territorio nacional, Los últimos días de Jose Luis Brea.

Brea y Clot. Dos faros que iluminaban un océano que separaba ambos proyectos: Los últimos días y El doble hermético. Dos reflejos de una luz que iluminaba y revelaba, nunca cegaba, la del ejercicio curatorial como un despliegue del pensamiento crítico.

Trabajando de manera colectiva entre Jesús Alcaide y cinco artistas de nuestra galería: Álvaro Albadalejo, Pablo Capitán del Río, Manuel M. Romero, Javier Pividal y Sergio Porlán, ‘Otro doble hermético’ se compone de una serie de trabajos que se han ido construyendo en dos tiempos, presentando obras realizadas por los artistas años atrás y otras realizadas ex profeso para esta exposición, que se unen por ese mismo hilo invisible temporal, ese paralaje hermético sobre el que se asienta el proyecto.

Otro, diferente, que no es lo mismo. Doble, que no es uno, que se despliega. Hermético, opaco, complejo. Una exposición que se refleja. Un eco. Un recuerdo. Un homenaje. Una relectura. Una correspondencia. Un rumor. Otro doble hermético. In memoriam, Manel Clot.

Otro doble hermético forma parte de la iniciativa RUT-ART/visualizARTE del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes.

Álvaro Albadalejo

Nuestro artista Álvaro Albadalejo nos sorprende con esta exposición: Medianoche después del desierto.

El cactus hace referencia a los estados alterados de conciencia, una alusión directa a la mescalina alucinógena que puede encontrarse en varias especies de esta familia. Vegetal próximo a lo mineral y lo inorgánico, que se mueve en el territorio de los vivos a la vez que pertenece de algún modo a la metafísica de los muertos, del fósil, de la momia o la piedra.

Se puede visitar en sala de exposiciones Santa Inés, Sevilla, hasta el 22 de noviembre de 2020.

Rainer Splitt

Nuestro artista Rainer Splitt realiza una exposición individual en la Sala Verónicas : Chromotopia, que nos muestra los límites difusos entre el concepto pintura y escultura.

La exposición está comisariada por Mª Ángeles Sánchez Rigal (directora de Artnueve), y en ella podemos disfrutar de un espectáculo de reflejos, color y formas sinuosas en los que la arquitectura de la sala Verónicas toma protagonismo, como si se tratase de un marco suntuoso que el artista gestiona e integra como el elemento central de su propuesta. Grandes vertidos de color negro colonizan la planta de la iglesia, que queda reflejada en la superficie de la pintura, duplicada a modo de espejo, como una caja de resonancia que amplifica su carácter simbólico. La ambigüedad de estas grandes superficies brillantes alude a un origen indeterminado, no podemos saber de dónde brotan, parece que manaran desde un lugar temporal, más que físico, desde un futuro apocalíptico a camino entre lo orgánico y lo artificial. Al igual que en las piezas donde la pintura desborda los límites del soporte, el espacio actúa como una arquitectura para la pintura, un contenedor que es un lugar histórico, connotado, que queda alterado definitivamente.

La riqueza que el artista manifiesta en este trabajo, junto con la lucidez del uso la forma y del color, hace que cada espectador encuentre referentes de un mundo ambiguo, mezcla de naturaleza y cultura, un mundo viscoso, esplendente y misterioso que, como la pintura, se desliza inefable, incomprensible a veces pero que nos habla del secreto poderoso de la piel y de la superficie. 

Santiago Reyes

Santiago Reyes participa en la exposición online de la Galería Goodman: La courte échelle (“la escalera corta”), que es un modismo francés que significa “dar una mano a alguien”.

La exposición en línea está comisariada por los artistas Yto Barrada, Carlos Garaicoa y Mateo López en un momento en que la colaboración entre los diversos rincones del mundo del arte es más importante que nunca. Barrada, López y Garaicoa han seleccionado obras de nueve artistas emergentes procedentes del Sur global, cuyo trabajo siguen y apoyan.

La courte échelle marca la cuarta edición de In Context, una iniciativa curatorial en curso, lanzada en 2010 en respuesta a que Sudáfrica acogió la Copa Mundial y se convirtió temporalmente en “hogar” del mundo. Un hilo conductor que recorre cada edición se refiere a la explotación de las tensiones entre el lugar y el cuerpo. Esta cuarta edición es una oportunidad para ver obras curadas en un momento sin precedentes en el que el cuerpo ha sido “encerrado”, nuestro “lugar” en el mundo repentinamente restringido a nuestro hogar dentro de una sola región.

El motivo de la escalera que lleva hacia arriba implica directamente al cuerpo y su lugar dentro de una jerarquía social: está el cuerpo que actúa como escalera improvisada y el cuerpo que se equilibra en la parte superior para alcanzar un peldaño más alto. Las obras de los artistas que se incluyen sugieren un acto de salto, animando al público a proyectarse en un “otro lugar”, a negociar esferas de otro mundo y a cuestionar la integridad estructural de las formas y cómo éstas podrían llevar o soportar, y de varias maneras no soportar, el cuerpo.

ARCO 2020

El 13 de Enero de 2017, a los 48 años, el escritor, crítico musical y pensador Mark Fisher decidía quitarse la vida en un acto último de llevar hasta las últimas consecuencias aquella pregunta que nos lanzaba desde uno de sus más conocidos textos, “Realismo capitalista. ¿no hay alternativa?”.

Para Fisher no la había, y a lo largo de diez años entre artículos en revistas, entradas en su blog o publicaciones en diversos medios no había estado escribiendo más que notas sobre la depresión y anuncios velados sobre su futuro plan de escapada de este mundo, como su admirado Ian Curtis. Aquí están los hombres jóvenes, con el peso sobre sus hombros. 1

Tal y como Fisher escribía en “La lenta cancelación del futuro”, ese peso sobre sus hombros tenía mucho que ver con ese incompleto de la modernidad, con el impulso progresista de las vanguardias hasta un punto de no retorno, un bolsón, un vacío, un no lugar desde el cual ya no podemos avanzar más.

En el marco de este texto, marcado por la influencia de Bifo, Fisher introduce el concepto de hauntología que Derrida acuñó en su libro “Espectros de Marx”. Asediar no quiere decir estar presente, y es preciso introducir el asedio en la construcción misma de un concepto. Según esta concepto o juego de palabras con la noción de ontología, Fisher nos dice que “todo lo que existe es posible únicamente sobre la base de una serie de ausencias, que lo preceden, lo rodean y le permiten poseer consistencia e inteligibilidad”.2

Asi la hauntología no sería otra cosa que la manera en la que los espectros de otros tiempos van construyendo la propia noción de ser en este momento, no como una nostalgia, ni como una relectura tal y como se hiciera en ciertos discursos y manifestaciones postmodernas en los ochenta, sino como una investigación en los vacíos que el proyecto moderno dejó, el todavía no de los futuros que el modernismo popular nos preparó para esperar pero que nunca se materializaron.
Deseo de ser forma se concibe como un proyecto de diálogo entre los trabajos de Pablo Capitán del Río y Javier Pividal. En las obras de los artistas presentes en este proyecto de la galería Artnueve se pone en juego un desplazamiento de tiempos, una confluencia con los espectros de aquello que nunca pudo llegar a formalizarse. Como escribía Fisher, se cristaliza un deseo de ser forma, sobre el que se construye una lógica de un presente incierto como el nuestro.

El trabajo de Pablo Capitán del Río subvierte la idea de lo científico como motor de progreso para, a partir de sus investigaciones sobre diferentes fenomenologías de lo natural, construir objetos y elementos cuya apariencia esquiva una definición conceptual, asediando la forma, orillando en ese lugar otro que muchas veces no pertenece al de la lógica, sino al propio de la poesía o la patafísica, buscando la extrañeza de lo cotidiano. Doblar servilletas puede servir como un acto constructivista.

Como si de un hiato entre lo real y lo simbólico en el que se construye la producción artística contemporánea se tratara, el trabajo de Javier Pividal reflexiona sobre la propia visibilidad del lenguaje, su transparencia y opacidad, así como su temporalidad, persistencia o caducidad, a partir de construcciones escultóricas, imágenes e instalaciones en las que las referencias a diferentes pensadores, poetas y cineastas van tramando una compleja celosía llena de interrogantes y vacíos. ¿Por qué durar es mejor que arder?.
Número y lenguaje, formas y vacíos, expectativas y proyecciones configuran un territorio de trabajo en el que se ponen en juego las producciones de sentido que determinan el panorama de un tablero habitado por los fantasmas de aquello que pudo ser y no fue, un futuro presente, un pasado por reactivar.